O objetivo principal do SketchUp não é criar animações 3d, mas os artistas que escolherem essa ferramenta gratuita do Google para modelar e apresentar seus projetos, podem realizar algumas animações de câmera simples usando cenas para adaptar a função que seria dos keyframes. Na animação elaborada com a manipulação de cenas, o artista pode apresentar diferentes ângulos do seu modelo de de maneira simples, sem a sofisticação de um software como o Blender 3D, 3ds Max ou outro para controlar e determinar com exatidão as trajetórias das câmeras. Mas, ainda assim para apresentações simples em que é necessário apenas mostrar diferentes pontos da volumetria, as cenas do SketchUp podem ajudar muito.

O ideal é começar a trabalhar com os ajustes da animação, quando o modelo 3d estiver totalmente concluído. A configuração da animação funciona assim, primeiro você precisa posicionar a visualização do seu modelo 3d em um ponto chave. Esse ponto será usado como marcação para a animação. Quando o ponto estiver definido, podemos abrir o menu de gerenciamento de cenas que é acessado em Window->Scenes como mostra imagem abaixo.

Esse tutorial foi escrito usando o SketchUp 7, mas a mesma técnica funciona para versões anteriores do SketchUp. Nesse painel é possível adicionar novas cenas usando o sinal de +. Quando uma nova cena for adicionada, altere a posição da câmera e determine o enquadramento para o modelo 3d na segunda cena. O mesmo procedimento pode ser realizado para as outras posições de câmera desejadas na cena. Com várias cenas adicionadas, basta clicar nas abas com o respectivo nome da cena para que a câmera do SketchUp deslize e se ajuste na posição em que a cena foi criada.

Ao criar uma nova cena é importante manter a opção Include in animation marcada, essa opção está disponível no menu de cenas.

A animação pode ficar ainda mais interessante se forem usados alguns dos estilos relacionados com ilustração do SketchUp, que podem fazer com que as linhas e formas 3d do projeto adquiram a aparência de renderizações do tipo NPR. Um aspecto interessante desse tipo de animação é que existe interação do usuário, controlando o movimento da câmera de maneira não-linear. Por exemplo, caso a apresentação esteja na quinta cena e uma dívida sobre o projeto demande que a segunda cena seja visualizada, basta clicar na segunda cena para que a visualização seja alterada de ordem.

Como forma de promover o uso dos seus produtos, a Autodesk está disponibilizando alguns vídeos promocionais que mostram empresas e estúdios de animação, comentando sobre a facilidade e potencial dos seus produtos. O vídeo que indico hoje tem como ponto de partida a Lucas Film Animation, que está produzindo a série animada Clone Wars, que começou com um longa metragem que depois foi convertido em uma série semanal. O software escolhido pela Lucas Film Animation foi o Maya, para todas as fases da produção dessa animação. Essa não deve ter sido uma escolha difícil, já que a ILM já é quase que totalmente baseada em Maya.

O vídeo mostra algumas fases da produção dessa série animada, com alguns dos artistas envolvidos na produção comentado sobre os vários desafios em criar vários pequenos episódios da animação, em seqüência que não são habituais para uma produtora. Se você já teve oportunidade de assistir a qualquer uma das séries animadas por computação gráfica hoje, a maioria deixa muito a desejar na parte de sofisticação e qualidade de animação. O desafio do estúdio era oferecer ao público, o mesmo nível de qualidade em termos de animação e história que foi vista nos cinemas. Ao menos esse foi o comentário dos entrevistados no vídeo.

Esse é o Making of:

Uma coisa que chama a atenção e com certeza é o motivo que faz com que a Lucas Film e outras empresas adotem o Maya, como plataforma principal de criação em 3d é a flexibilidade para criar ferramentas personalizadas usando MEL. Repare que em algumas tomas em que aparece um modelador ou artista trabalhando, existem alguns Shelfs com ferramentas personalizadas no Maya e também menus flutuantes repletos de opções próprias para o estúdio.

No final do vídeo o assunto acaba focando na alegria e satisfação dos animadores em trabalhar com projetos relacionados ao Star Wars. Mesmo que você não use o Maya, o vídeo é interessante por mostrar, mesmo que de maneira rápida, um pouco da Lucas Film Animation e como são produzidos os episódios do Clone Wars.

Os tutoriais que abordam a criação de objetos que apresentam topologias complexas são sempre interessantes de assistir, mesmo que o software usado no tutorial não seja muito famoso ou usado por artistas 3d. Um desses softwares que não tem uma grande base de usuários é o Hexagon, que apesar de ser um excelente modelador acaba caindo nas mesmas limitações de softwares como o Silo 3D e do Modo 3D nas suas versões iniciais. O problema dessas ferramentas é que a especialização em apenas uma tarefa, como a modelagem, não é bem aceita por artistas ou estúdios. Quanto maior for a quantidade de softwares necessários para finalizar um projeto, mais problemas com a topologia ou na compatibilidade dos arquivos.

Dentre os softwares citados, o Modo está aos poucos se transformando em uma suíte de modelagem e animação, e cada vez ganhando mais usuários.

Na semana passada foi lançado um tutorial bem completo sobre a modelagem de uma mão usando o Hexagon, a modelagem é realizada em várias fases e pode ser muito bem reproduzida em outros softwares de modelagem, pois a técnica usada é a subdivisão. O processo é bem simples, e nos vídeos do tutorial podemos até visualizar a utilização de uma ferramenta comum hoje nos softwares 3d, que é o desenho a mão livre sobre áreas de modelagem, para planejamento e comunicação entre equipes. Nesse caso em especial, o autor do tutorial usa uma ferramenta semelhante ao Grease Pencil do Blender 3D para planejar e topologia da mão em 3d, antes de começar a efetivamente trabalhar na modelagem.

O tutorial está dividido em três partes, perfazendo quase 30 minutos de vídeo:

O exercício de modelagem para a criação de uma mão em 3d é extremamente válido, tanto para artistas iniciantes como para pessoas mais experientes. Dentre as partes da modelagem orgânica direcionada para personagens, a mão e a orelha figuram entre as topologias mais difíceis de reproduzir em 3d, pela quantidade de detalhes e complexidade da morfologia dos objetos.

Por isso, se você estiver aprendendo modelagem 3d e gostaria de seguir o tutorial para reproduzir uma mão como essa, selecione uma fotografia de referência como fez o autor do tutorial e tente reproduzir o modelo.

Uma das principais dúvidas que os artistas 3d iniciantes têm ao escolher o Blender 3D como seu software de produção 3d é; será que ele é realmente bom? Quais trabalhos profissionais usam Blender? A resposta é sempre a mesma para essas pessoas, que a diferença está no talento do artistas e não na qualidade ou poder do software. Alguns projetos como o Big Buck Bunny ou o Yo Frankie! mostram bem o poder que o Blender tem nas mão de artistas talentosos, mas o que realmente impressiona é que você pode estar assistindo comerciais de TV produzidos no Blender e nem sabia.

Aqui no Brasil é cada vez mais fácil encontrar artistas talentosos que usam o Blender 3D para produzir material publicitário de alta qualidade para TV. Hoje vou falar sobre mais um desses artistas chamado de Teisson Fróes, que tem um portfólio de trabalhos bem impressionante e produzido quase que na sua totalidade no Blender 3D. Quer conhecer mais sobre o trabalho do Teisson? Nesse link é possível fazer o download do Demo Reel dele (Arquivo MOV – 80MB), em que é possível conferir algumas imagens do próprio artista manipulando e produzindo algumas das suas cenas no Blender.

Dentre os seus trabalhos, podemos destacar o projeto que envolveu a modelagem e renderização de um Boeing da VARIG, posicionado no interior de um hangar. A modelagem foi realizada no Blender 3D com a iluminação feita no YafRay usando HDRI na iluminação. Se você não fez o download do Demo Reel do Teisson, essas são algumas imagens do projeto envolvendo a VARIG.

Para conferir mais trabalhos do Teisson, assim como vídeos dos Making of`s dos seus trabalhos, em que é possível visualizar em algumas cenas o Blender sendo usado na produção, seja na modelagem ou animação de objetos, recomendo visitar os seguintes links:

• Vídeo de produção para o comercial da VARIG
• Vídeo de produção para o comercial da NET Digital
• Páginas com links para vídeos e imagens dos trabalhos realizados pelo artista

Depois de assistir a todos os vídeos e materiais produzidos pelo Teisson, entrei em contato com ele e perguntei se o mesmo concordaria em participar de uma pequena entrevista. Assim que consegui organizar as perguntas para o artigo, enviei para ele e as respostas podem ser conferidas logo abaixo. Antes de terminar essa parte do artigo, gostaria de agradecer ao Teisson pela entrevista e materiais cedidos para a mesma, assim como o leitor Bruno Mendes que me deu a dica sobre os trabalhos dele, pelo formulário de contato.

Para falar com o artista e conferir mais dos seus trabalhos, esse é o link para a sua página oficial.

Agora a entrevista, intercalada com algumas fotos do próprio Teisson no seu ambiente de trabalho, editando o comercial para a NET Digital no Blender. Ainda é possível conhecer uma “pequena” render farm utilizada pelo artista, adaptada para a produção de trabalhos no Blender, YafRay e Indigo:

Allan Brito: Antes de começar a primeira pergunta, gostaria de parabenizá-lo pelo fantástivo portfólio. Hoje em dia, qual a sua principal atividade na área de computação gráfica? Composição? Modelagem? Artista de finalização?

Teisson Fróes: Minha principal atividade na computação gráfica está direcionada a viabilização de produções cinematográficas que possuam restrições específicas, ou seja, tornar “realizável” uma produção que tenha um tempo limitado ou uma verba limitada. E em alguns casos até inviabilidades geográficas, usando como principal ferramenta a pós-produção. Atualmente faço supervisão e opero o equipamento em todas as etapas da pós-produção, e em alguns casos que exija uma modelagem orgânica ou animação mais avançada, conto com uma equipe de frelancers.

Allan Brito: Como você começou a trabalhar nessa área? Foi necessário algum curso ou formação especial para ingressar nessa carreira?

Teisson Fróes: Na realidade sou técnico em eletro-eletrônica e fiz um ano de engenharia da computação e um ano de bacharelado em cinema, participei de projetos do SEBRAE de incubadoras de empresas e de centros de pesquisas de aplicação de sistemas microcontrolados. A minha entrada na área audiovisual aconteceu quando fui convidado por um amigo, pelo meu interesse pelo setor e o fato de operar bem um computador, para auxiliar na finalização de uma produtora de efeitos especiais em Minas (Romsoft) e com passar do tempo a habilidade em manipular a imagem foi se desenvolvendo num processo autodidático.

Allan Brito: Como o Blender 3D está inserido no seu processo de trabalho?

Teisson Fróes: O Blender3D surgiu como uma solução para meu sistema de trabalho. Como já tenho familiaridade com linguagens de programação, ter um sistema aberto e customizável como Blender3D me deu a possibilidade de criar meu próprio workflow.

Allan Brito: O mercado brasileiro de publicidade discrimina artistas que conhecam apenas o Blender 3D? Ou é necessário conhecer softwares como o 3ds Max e Maya para trabalhar?

Teisson Fróes: Comparado a outros softwares o Blender3D é muito novo. Por este fato profissionais e produtoras que estão a mais tempo no mercado logicamente não o utilizam. De fato, existe um certo espanto quando digo que utilizo o Blender3D, ou uma insegurança quando digo que vou fazer algum trabalho no Blender3D. Mas o que eu tenho tentado mostrar, através do meu trabalho, em todos os lugares, é que existem, como o Blender3D, ferramentas poderosíssimas e muito flexíveis no universo freeware. Com relação a saber operar outros softwares, é fundamental, toda estrutura baseada numa única ferramenta é vulnerável e possívelmente limitada. Invista no Blender3D mas saiba utilizar outras plataformas.

Allan Brito: Dentre os trabalhos expostos no seu portfólio, o que mais chama a atenção é o da VARIG. O que você pode nos dizes em relação à produção daquele comercial? Quais os desafios? Como o Blender 3D foi usado?

Teisson Fróes: Como já citei antes, meu trabalho é, viabilizar produções cinematográficas através da computação gráfica. A nova marca da Varig foi lançada na TV paralelamente com a atualização da nova programação visual, ou seja, ainda não havia nenhuma aeronave com a nova marca. Tínhamos a opção de trazer os aviões ou ir ao Texas para aplicar a nova arte e filma-los, por questões de cumprimento de prazos foi dispensada. Então pesquisei a possibilidade de construir um modelo 3D do 767 e aplicar em cenários e substituir as artes dos outros aviões via computação gráfica 3D + composição. Foi um trabalho super tranquilo com o Blender3D + Yafray em 10 dias.

Allan Brito: Pelo que podemos perceber nos vídeos do making of, foi usado um mapa HDRI para iluminação. Essa é geralmente a técnica que você usa para seus trabalhos?

Teisson Fróes: Na maioria dos casos de aplicação de objetos sintéticos em cenas reais utilizo o mapa de iluminação HDRI. Pois reproduz quase que perfeitamente a luz do ambiente em que o objeto será aplicado, poupa bastante tempo na criação da cena em 3D e na composição final.

Allan Brito: Quais dicas você daria para artistas 3d que estão começando seus estudos agora? Qual é o melhor caminho a seguir? Modelagem? Animação?

Teisson Fróes: Para quem pretende trabalhar comercialmente com computação gráfica 3D, é interessante conhecer o software como um todo, porém pode-se ter um diferencial competitivo ao focar em uma função específica, como modelagem, animação, texturização e etc, ou talvez mais específicamente, como, se especializar em modelagem de carros, cenários, ou animação de personagens. No mais, o de sempre: dedicação, paciência, perseverança, insistência e profissionalismo.

Quando o assunto é renderização com softwares como o V-Ray ou Mental Ray, a maioria dos artistas é unânime em afirmar que o seu principal objetivo é conseguir o máximo de realismo em uma cena. Esse é o objetivo da maioria, mas nem sempre essa é uma tarefa fácil ou que se adapta da melhor maneira possível a todos os projetos. Com a facilidade e acesso as ferramentas de iluminação global, o uso de ferramentas para gerar imagens do tipo NPR, ou Photo Realistic Render Non-Photorealistic Rendering é cada vez mais escasso. Mas, ainda assim muitas pessoas preferem trabalhar com imagens conceituais e estudos baseados em renders do tipo NPR para desenvolver a volumetria de projetos.

Para gerar esse tipo de imagem em softwares como o V-Ray existem várias técnicas, mas a mais eficaz consiste no uso de uma ferramenta que simula linhas nas bordas dos modelos 3d, para atribuir uma aparência conhecida como Toon aos objetos. O 3ds Max tem um shader próprio para isso chamado de Ink n`Paint, mas que resulta em imagens com tempo de render elevado e com compatibilidade limitada, quando a cena é renderizada com softwares como o V-Ray. No vídeo abaixo, podemos conferir uma maneira rápida e simples de configurar um material do tipo toon no V-Ray, para gerar imagens NPR no 3ds Max.

O autor do turorial usa para o efeito NPR um tipo especial de material do V-Ray chamado de VRayDirt. Esse material pode atribuir a aparência de superfícies com leve índice de sujeira, que pode ser configurada para aparentar também uma célula de animação. Os requisitos para que uma imagem tenha esse tipo de atributo são:

• Superfícies pintadas com cores sólidas ou gradientes simples
• Iluminação gerando sombras bem definidas
• Linhas de contorno dos objetos com cor preta e bem definida

Se você tem o V-Ray e quiser seguir as configurações necessárias para reproduzir o material, basta usar os mesmos parâmetros indicados no vídeo.

Depois que o material estiver criado, o autor ainda faz alguns ajustes na área Global Switchers nas propriedades de renderização do V-Ray, para marcar como ativo o Override mtl, adicionando o material configurado previamente no slot disponível ao lado dessa opção. O render final é gerado com a clara impressão de uma imagem gerada para células de animação, e o melhor de tudo é o tempo de render, extremamente curto e rápido.

Sempre que você precisar usar imagens renderizadas para avaliar a volumetria ou mostrar o progresso no desenvolvimento de um projeto, as imagens do tipo NPR ainda são uma ótima opção, principalmente para artistas e estúdios com pouca disponibilidade de hardware para renderizações longas e baseadas em iluminação global.