A cada dia que passa o Blender 3D é mais usado para produzir material publicitário de alto nível. Dessa vez a campanha que usa o Blender 3D para representar produtos em ambientes virtuais é a do Fiat Stilo Blackmotion. A parte 3D do web site da campanha foi totalmente produzida com o Blender 3D e renderizada no Indigo e também YafaRay. O responsável por mais um belo projeto com o Blender foi o Teisson Fróes, que já apareceu aqui no Blog com uma série de trabalhos voltados para a área de publicidade. Dessa vez o seu desafio foi muito grande, pois o mesmo precisada entregar animações e imagens de alto grau de realismo. Como ele fez para conseguir finalizar o projeto? Quais os desafios?

Para mostrar um pouco mais sobre o desenrolar do trabalho, fiz uma pequena entrevista novamente com o Teisson, em que ele me passou alguns dos dados sobre o projeto.

A primeira coisa que você deve estar se perguntando é: qual o motivo de usar dois renders como o Indigo e o YafaRay? Segundo o artista, a decisão foi técnica e baseada nos tempos de render oferecidos pelo Indigo para animação, sem mencionar a quantidade de dados. Cada arquivo do modelo 3d relativo ao carro, ficou com aproximadamente 200 MB em XML. Cada um dos frames da animação no Indigo precisava de um modelo como esses, e fica fácil perceber que qualquer projeto com mais de 100 frames já requer 20GB de tráfego na rede (esse projeto em particular precisava de 60GB).

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Por isso, para as animações foi usado o YafaRay pela resposta mais rápida do software em relação ao tempo de render e também a quantidade de dados necessária para finalizar o projeto. Nas imagens estáticas, o Indigo mostrou sua qualidade de renderizador Unbiased e apresentou resultados superiores ao YafaRay em termos de realismo, mas ainda assim é dispendioso para animações.

Na modelagem do carro, o maior desafio foi trabalhar com o modelo enviado pela própria Fiat que estava em NURBS. O modelo havia sido construído com grande nível de detalhes no Maya, usando NURBS e a conversão do mesmo para o formato de polígonos, resultou em um único arquivo com 150 MB de tamanho no Blender 3D.

Essas foram algumas informações técnicas do projeto para que você possa ter uma visão geral sobre os desafios enfrentados pelo Teisson, e as soluções encontradas para finalizar o projeto. Para saber mais sobre o projeto e utros trabalhos do artista, recomendo uma visita ao seu web site, em que é possível conferir outros projetos usando o Blender.

Uma das coisas que mais vejo nos meus alunos, principalmente os que estão começando a trabalhar com computação gráfica é o desejo de criar uma animação em curta metragem. A maioria deles invariavelmente gostaria de concretizar uma idéia ou conceito em termos de animação. Mas, ao longo do tempo essas idéias acabam ficando um pouco de lado, pois os mesmos alunos conhecem as técnicas de produção e as diversas dificuldades em termos de tempo e esforço, necessárias para concretizar um projeto dessa magnitude.A mesma coisa acontece com os alunos interessados em desenvolvimento de jogos, que nos primeiros dias de aula já tem pretensão de criar jogos no estilo Final Fantasy, com enredos complexos e gráficos de última geração.

Apesar de gostar muito do espírito de iniciativa dos alunos, acabo desencorajando um pouco eles com a realidade. Mas, acho que seria crueldade iludir os alunos com a idéia de que esse tipo de projeto poderia ser realizado com poucos recursos financeiros e esforço. Sempre que recebo esse tipo de pergunta, acabo mostrando alguns ótimos exemplos de pessoas que conseguiram produzir de maneira independente uma animação de alto nível, sendo que uma das última produções a ganhar destaque se chama Meet Meline.

Essa é uma animação que está sendo produzida por um casal de artistas 3d chamados Sebastien Laban e Virginie Goyons. Desde 2006 que o projeto dessa animação está sendo produzida por eles, nas horas vagas e em feriados. Já são quase três anos de produção, para que o primeiro trailer fosse lançado agora! Antes de continuar falando sobre a animação, assista ao Trailer:

Como é evidente pela qualidade da animação e dinâmica dos personagens e cenários, o tipo de modelagem e composição usados na animação são de alto nível. A experiência da equipe envolvida ajuda muito, pois ambos são profissionais de animação e efeitos especiais em estúdios na França.

Se você quiser saber mais sobre a animação, assim como fazer o download de mais material sobre a animação, recomendo visitar essa página na CG Society, em que o Sebastien vêem atualizando como um blog da produção. Lá podemos encontrar links para vídeos e outros materiais relacionados à produção do Meet Meline.

Qual o software foi usado para criar a animação? Eles usaram o Autodesk Maya, Autodesk Combustion e Adobe Premiere, para criar o projeto, mas a parte de software é pouco abordada na criação do projeto. Além dos exemplos de criação visual, o verdadeiro ouro do projeto está na análise das fases da produção. Repare que na página da CG Society existe até mesmo um fluxograma explicando as diversas fases de produção. Do ponto de vista de professor, posso dizer que esse tipo de material é riquíssimo e pode clarear as idéias das pessoas que ainda não tem uma visão gera do processo de criação.

O tempo total da animação é de 6 minutos, mas até agora apenas o trailer foi divulgado. Portanto, só nos resta esperar e torcer para que o projeto seja finalizado e que a equipe continue lançando materiais e dicas, sobre como foi possível chegar até a composição final da animação. Como esse projeto é independente, nada impede que os autores abandonem tudo e deixem o projeto inacabado. Mas, acredito que esse não será o caso.

Para saber mais sobre o Meet Meline, visite o web site oficial do projeto.

Qual é a fase mais importante produção de uma animação 3d? Sem sombra de dúvida que é o planejamento e preparação da equipe para trabalhar com o roteiro e conceito da animação. Na maioria das animações 3d, mesmo as que tema penas como propósito a ilustração ou ambientação do público para jogos, o processo de criação desse tipo de material se assemelha em muito ao que acontece com estúdios tradicionais de animação. Boa parte da animação, mesmo as que tem menos de 10 minutos de duração, envolvem em alguns casos o uso de tomadas de câmera complexas e uso de veículos de transporte futuristas, que exigem do diretor do projeto vários estudos de câmera e posicionamento dos atores.

Caso você tenha curiosidade de comparar o processo de planejamento de uma animação, com o resultado final de um desses vídeos, vários trechos de documentários sobre a produção das animações para o jogo Resident Evil 5 da Capcom foram disponibilizados no youtube, como forma de divulgar o jogo. No vídeo abaixo o pessoal do estúdio, assim como parte da equipe responsável pela animação explica os procedimentos e passos necessários, antes de começar efetivamente a trabalhar na animação.

Repare que dentre todos os aspectos da preparação da animação, um deles é bem ressaltado pela equipe: custo. Sim, com a visualização prévia do material, a empresa responsável pela produção da animação pode diminuir os custos da produção, oferecendo soluções mais fiéis para a produção e evitando os desperdícios. Esse é o vídeo:

No processo de preparação do material, a equipe do estúdio Third Floor prepara animatics e story boards em vídeo. Veja que interessante o processo deles, que faz o caminho inverso de muitas produções: usar atores reais para simular as cenas de uma animação 3d. Nesse caso, o uso dos atores é mais barato que a execução da animação.

Essa foi a preparação, mas e o resultado final? Olhe só como ficou:

É interessante identificar as partes da pré-produção como vídeo finalizado e visualizar a evolução do material. Esse é mais um exemplo de que sem planejamento e principalmente, o dimensionamento correto dos custos, um projeto de animação pode naufragar feio o estúdio. Principalmente nesses tempos de vacas magras, em que vários artistas 3d estão perdendo cargos em estúdios de animação. O melhor mesmo é planejar para não passar por problemas.

Como forma de promover o uso dos seus produtos, a Autodesk está disponibilizando alguns vídeos promocionais que mostram empresas e estúdios de animação, comentando sobre a facilidade e potencial dos seus produtos. O vídeo que indico hoje tem como ponto de partida a Lucas Film Animation, que está produzindo a série animada Clone Wars, que começou com um longa metragem que depois foi convertido em uma série semanal. O software escolhido pela Lucas Film Animation foi o Maya, para todas as fases da produção dessa animação. Essa não deve ter sido uma escolha difícil, já que a ILM já é quase que totalmente baseada em Maya.

O vídeo mostra algumas fases da produção dessa série animada, com alguns dos artistas envolvidos na produção comentado sobre os vários desafios em criar vários pequenos episódios da animação, em seqüência que não são habituais para uma produtora. Se você já teve oportunidade de assistir a qualquer uma das séries animadas por computação gráfica hoje, a maioria deixa muito a desejar na parte de sofisticação e qualidade de animação. O desafio do estúdio era oferecer ao público, o mesmo nível de qualidade em termos de animação e história que foi vista nos cinemas. Ao menos esse foi o comentário dos entrevistados no vídeo.

Esse é o Making of:

Uma coisa que chama a atenção e com certeza é o motivo que faz com que a Lucas Film e outras empresas adotem o Maya, como plataforma principal de criação em 3d é a flexibilidade para criar ferramentas personalizadas usando MEL. Repare que em algumas tomas em que aparece um modelador ou artista trabalhando, existem alguns Shelfs com ferramentas personalizadas no Maya e também menus flutuantes repletos de opções próprias para o estúdio.

No final do vídeo o assunto acaba focando na alegria e satisfação dos animadores em trabalhar com projetos relacionados ao Star Wars. Mesmo que você não use o Maya, o vídeo é interessante por mostrar, mesmo que de maneira rápida, um pouco da Lucas Film Animation e como são produzidos os episódios do Clone Wars.

Esse ano talvez marque uma revolução na maneira como assistimos filmes e animações nos cinemas, o que pode ter impacto direto na produção de material e efeitos em 3d. O uso da técnica conhecida como estereoscopia está ficando cada vez mais comum, devido a vários investimentos e projetores digitais de cinema e muitos filmes sendo produzidos com essa técnica. Até pouco tempo atrás era muito raro encontrar filmes e animações, que ofereciam esse tipo de recurso, por vários motivos, sendo o principal deles a deficiência nos projetores analógicos dos cinemas, que muitas vezes geravam imagens sem sincronia.

Com novos projetores digitais e softwares mais especializados na produção desse tipo de material, podemos esperar uma verdadeira avalanche de filmes e animações, usando essa técnica para 2009. Entre as animações que devem aparecer esse ano, com opções para projeção em 3d estão o próximo lançamento da Pixar – Up!, Ice Age 3 da Blue Sky e também a animação Monstros versus Aliens da DreamWorks. Esses são alguns dos principais títulos que devem receber versões em 3d, para cinemas com equipamento digital.

No começo do ano tive a oportunidade de assistir a animação Bolt, pois aqui em Recife existe um cinema equipado com esse tipo de projeção em 3d, e posso dizer que tirando o pequeno incômodo de assistir a animação com óculos o tempo todo, vale a pena! A sensação de profundidade oferecida pela técnica é muito boa! O efeito gerado pela projeção em 3d não faz com que as imagens saltem da tela, mas potencializa a profundidade das cenas, fazendo parecer que você está assistindo a uma cena real, com diferentes planos. Apenas as cores da animação ficam comprometidas, pois o resultado do uso desses óculos é que tudo tende para cores menos saturadas.

Para ilustrar melhor o assunto, esse é um pequeno making of e trailer da animação, Monstros versos Aliens, que será distribuída em versões 2d e 3D.

Repare em dois aspectos importantes em termos de produção, a equipe está usando o Maya 2009 para produzir a animação, pois ele já acompanha as ferramentas necessárias e câmeras especiais para esse tipo de projeto, sem a necessidade de plugins. Outro ponto interessante é que o Maya pode exibir imagens em 3d, durante o processo de produção. Portanto, os artistas envolvidos na produção da animação usam óculos 3d para visualizar as cenas e renderizações.

Isso muda um pouco a maneira com que animações em 3d são criadas, e também modifica um pouco o processo de edição e tratamento das cenas. A maioria das adaptações e ajustes é técnica, mas ainda assim é mais um aspecto que precisamos estudar. A meta dos estúdios é que em 2009 todas as animações 3d sejam produzidas usando estereoscopia.

Mas, não é só na área de animação 3d que esse tipo de técnica está chegando, pois vários filmes com atores reais estão em produção usando a técnica, que consiste no uso de uma câmera especialmente adaptada para capturar uma cena para cada um dos nossos olhos. Isso pode mudar o processo de pós-produção, pois não são todos os softwares de montagem de vídeo que suportam esse tipo de tecnologia. Um dos mais aguardados para esse ano é Avatar, que ainda está em produção e só deve ser lançado no final desse ano. O filme está gerando expectativa, por ser do James Cameron e apostar na estereoscopia desde muito cedo e também, segundo relatos da produção, as câmeras usadas no filme foram projetadas apenas para esse projeto.

Procure na sua cidade um cinema com suporte a esse tipo de projeção e assista alguma animação ou filme, usando essa nova tecnologia. Garanto que será uma agradável experiência, principalmente para quem entende como esse tipo de material é produzido!